En este periodo la humanidad se veía enfrentada a nuevos conceptos, tales como la ciencia experimental y la teoría de la evolución de las especies, de la mano de Charles Darwin; asimismo, Europa avanzaba acorde al progreso, a la influencia de la industrialización y a los mayores recursos materiales, lo que no implicaba mayores utilidades, pero sí un cambio es la visión del mundo.

Es así que las obras de este entonces tocaron temáticas de la sociedad de la época, haciendo una fuerte crítica a lo que sucedía, por un lado al avance que implicaba el progreso y al problema económico. Los autores plasmaban en sus obras lo que objetivamente sucedía, describiendo la sociedad europea, dejando fuera los sentimentalismos. Algunos de los escritores más importantes fueron:

Henrik Ibsen:

Este autor nació en Noruega y fue director del Teatro Nacional de Oslo. Sus creaciones responden a una inspiración en el Romanticismo, pero con una renovación, centrándose en los tiempos modernos que se estaban viviendo en ese entonces.

Origina el “teatro de ideas”, que era una representación que incluía una dura crítica social, develando las corrupciones y prejuicios que se suscitaban, así como deja en evidencia la discriminación que se producía contra las mujeres y su posterior liberación femenina; le da relevancia al retrato psicológico de sus personajes, utilizando un rico vocabulario en sus escritos.

George Shaw:

Este escrito fue de origen inglés y perteneció al Teatro Independiente de Londres. Su importancia radica en que su escritura fue muy ágil, los diálogos se desarrollaban con gran dinamismo y causaban la atención total de los espectadores, los que recibían sus obras cargadas de denuncias contra la desigualdad, la hipocresía, la mala distribución de la fortuna y críticas hacia la clase burguesa.

Antón Chéjov:

Nació en Rusia y se le considera el fundador del teatro ruso moderno. Su relevancia estuvo en que por medio de hermosa poesía mostraba una visión realista, que era llevada a la representación por el Teatro del Arte de Moscú. Sus escritos eran breves y sencillos y describía la decadencia en que se hallaba la burguesía rusa de finales del siglo XIX. Una de sus célebres obras dramáticas fue La Gaviota y he aquí un fragmento de la escena primera:

Escena primera

Acaba de ponerse el sol. En el estrado, detrás del telón, se encuentra IAKOV y algunos MOZOS más. Se oyen toses y golpes; MASCHA y MEDVEDENKO, de vuelta de un paseo, aparecen por la izquierda.

MEDVEDENKO.- ¿Por qué va usted siempre vestida de negro?

MASCHA.- Llevo luto por mi vida. Soy desgraciada.

MEDVEDENKO.- ¿Por qué? (Después de un momento de meditación.) No lo comprendo… Tiene usted salud, y su padre, sin llegar a rico, es hombre acomodado… ¡Cuánto más difícil es mi vida que la suya! ¡No gano arriba de veintitrés rublos mensuales; me hacen, además, un descuento de esa cantidad y, sin embargo, no me visto de luto! (Se sientan)

MASCHA.- ¡El dinero no es todo! ¡También un pobre puede ser feliz!

MEDVEDENKO.- ¡Eso es en teoría, pero en la práctica la realidad es esta: que somos mi madre, dos hermanas, un hermanillo y yo, y que en casa no entra más sueldo que los veintitrés rublos!… ¿Y acaso no hay que comer y beber?… ¿Qué comprar té y azúcar?… ¿Pues y el tabaco?… ¡Esa es la cuestión!
MASCHA.- (Fijando los ojos en el estrado.) La función empezará pronto.

MEDVEDENKO.- Sí. Sarechnaia hace de protagonista y la obra ha sido escrita por Konstantin Gavrilich ¡Con lo enamorados que están, sus almas se unirán en un común anhelo por reproducir la misma imagen artística!… ¡Para su alma de usted y la mía, en cambio, no hay puntos de contacto!… ¡La quiero, y la tristeza no me deja permanecer en casa! ¡Todos los días hago seis «verstas» a pie al venir aquí, y seis al volver, y no encuentro en usted más que indiferencia! ¡Y se comprende!… ¡No tengo medios económicos, y sí una familia numerosa! ¡Buenas ganas las de casarse con quien no tiene para comer!

MASCHA.- ¡Qué tontería! (Toma rapé) Su amor me conmueve, sólo que… no puedo corresponder a él. Eso es todo. (Tendiéndole la tabaquera). Sírvase.

MEDVEDENKO.- No me apetece. (Pausa)

MASCHA.- La atmósfera es sofocante. Esta noche, seguramente, tendremos tormenta… ¡Usted se pasa el tiempo filosofando y hablando de dinero!… ¡Según usted, no existe desgracia mayor que la pobreza…, mientras que a mí, en cambio, me parece mil veces más fácil el tener que ir vestida de harapos y el pedir limosna que!… ¡No!… ¡No iba usted a comprenderlo!

El Teatro Épico

Es aquel que plantea una crítica al sistema social imperante, ya que no está de acuerdo con el cómo se manejan los distintos niveles sociales.

El mayor exponente de este tipo de representaciones fue Bertolt Brecht, quien en Alemania comenzó su obra, las que estaban cargadas de espíritu marxista y surrealista. Postulaba que el teatro debe coincidir y reflejar exactamente lo que sucedía en ese determinado momento en la sociedad, en el tiempo histórico en que el hombre se encuentra.

Sus obras tienen un lenguaje sencillo y estructurado en torno a parábolas, que se entremezclaban con diálogos irónicos y con toques de humor. Sus obras más importantes fueron: Madre coraje, El pequeño organón y La ópera de tres centavos.

El Teatro del Absurdo

Este tipo de teatro es aquel que muestra y presenta una visión totalmente deformada de la realidad, llegando hasta a ser grotesca; con la finalidad de revelar los vicios de la humanidad y la inconsecuencia de las acciones de los hombres, abordando temas como el existencialismo, la falta de comunicación e interacción entre las personas, causando su soledad y aislándolo hasta hacerle un enajenado dentro de una sociedad endiente a la deshumanización.

En este teatro no existe el momento de la tensión dramática, ya que los dramaturgos buscan mostrar la sociedad tal como es, con todos sus defectos y precariedades. Es por ello que la obra es circular, es decir, todo termina tal como comenzó. Eugene Ionesco, rumano, es el principal exponente del teatro del absurdo, dentro de sus obras destacaron: El rinoceronte, El rey se muere y La cantante calva, que es una de sus obras célebres y presentamos este fragmento:

Bombero: Mi cuñado tenía, por el lado paterno, un primo carnal uno de cuyos tíos maternos tenía un suegro cuyo abuelo paterno se había casado en segundas nupcias con un joven indígena cuyo hermano había conocido, en uno de sus viajes, a una muchacha de la que se enamoró y con la cual tuvo un hijo que se casó con una farmacéutica intrépida que no era otra que la sobrina de un contramaestre desconocido de la marina británica y cuyo padre adoptivo tenía una tía que hablaba de corrido el español y que era, quizás, una de las nietas de un ingeniero, muerto joven, nieto a su vez de un propietario de viñedos de los que obtenían un vino mediocre, pero que tenía un primo segundo, casero y ayudante, cuyo hijo se había casado con una joven muy guapa, divorciada, cuyo primer marido era hijo de un patriota sincero que había sabido educar en el deseo de hacer fortuna a una de sus hijas, que pudo casarse con un cazador que había conocido a Rothschild y cuyo hermano, después de haber cambiado muchas veces de oficio, se casó y tuvo una hija, cuyo bisabuelo, mezquino, llevaba unas gafas que le había regalado un primo suyo, cuñado de un portugués, hijo natural de un molinero, no demasiado pobre, cuyo hermano de leche tomó por esposa a la hija de un ex médico rural, hermano de leche del hijo de un lechero, hijo natural a su vez de otro médico rural casado tres veces seguidas, cuya tercera mujer…

Sr.Martin: Conocí a esa tercera mujer, si no me engaño. Comía pollo en un avispero.

Bombero: No era la misma.

Finalidad Estética

Es cuando las obras literarias tienen la función de promover la belleza, de satisfacer a los lectores y permitirles que interpreten la realidad y para ello recurre a un lenguaje elaborado, muy cuidado, con especial dedicación en la estilística y los recursos literarios.

Finalidad Cognoscitiva

Se refiere a que la obra literaria busca la entrega del conocimiento, en cuanto a la realidad social que se vivencia; promueve que el lector adquiera comprensión por medio de la lectura, que se impregne de sabiduría y amplíe su visión.

Finalidad Didáctico – Moral

Esto implica que la obra literaria persigue brindar una lección, una enseñanza ética o moral a los receptores; tratando temáticas que tengan que ver con los valores humanos dentro de una comunidad o sociedad y utiliza moralejas para establecer cuáles deberían ser las normas pertinentes de conducta.

Finalidad de Crítica Social

Es cuando la literatura está comprometida con la realidad, con lo que acontece en la sociedad y sus problemáticas contingentes; por lo mismo, las obras literarias serían un medio de expresión, para plasmar descontento social o criticar el entorno histórico en que se desarrolla la creación.

En la historia del desarrollo del género dramático, podemos distinguir tres manifestaciones o formas principales, que son las que se destacan a continuación:

La Tragedia

Tiene sus comienzos en Grecia, específicamente en la ciudad de Atenas, que es donde se originó este arte. Estaba destinada a un público masivo, que gozaba de una representación libre del mundo en que vivían, de la estructura de la sociedad de la época.

Hay convención en señalar que la tragedia nació entre los siglos VII y VIII. En los rituales consagrados a Dionisio se erigía un altar en su honor y se entonaban cánticos alusivos a él, con instrumentación de flautas y estos cánticos eran llamados coros trágicos y quienes cantaban estaban disfrazados como cabritos. De allí que la tragedia se relaciones con la palabra “macho cabrío”, pues los coristas estaban disfrazados como tales animales.

Dentro de los autores más relevantes en la tragedia se encuentra Esquilo, que es considerado el creador de la tragedia, incorporó a dos personajes dentro de la obra - como actores - y no solamente a uno como antes, lo que dio paso a la interacción entre ambos, que desencadenó al diálogo. Se estableció la diferencia entre protagonista y antagonista, donde respectivamente eran el “primer luchador” y el “luchador opuesto”. Ejercían los roles de héroe y de oponente. También existía la presencia de un coro, que ostentaba un papel importante dentro de la trama, pues representaba la voz de la mayoría, del pueblo, del país, etc., que dialogaban con los actores.

En la tragedia se abarcaban temas como la lucha del hombre frente al destino, donde se representaba a personajes nobles, ilustres, que tenían relación con la tradición épica y mitológica; se hacía uso de un lenguaje sublime y se propendía a que el espectador llegara a la catarsis, es decir, que lograse experimentar la purificación de su alma, a través de los sentimientos de temor y conmiseración o compasión.

Para la catarsis era necesario que el espectador observara al personaje central, quien se veía sometido a peripecias muy difíciles, a desgracias que hacían trágica su vida y que el espectador podía identificar. Esto permitía que los receptores entendieran su propia condición como seres humanos y se entregaran a la voluntad divina.

Características de la Tragedia Griega

El personaje central representa los valores de la sociedad de su época, es decir, la nobleza y el valor. La tragedia presenta al personaje mejor de lo que realmente es. Sin embargo, éste no está exento de cometer errores y es por ello que se habla de la hamartia, que es el error trágico o de juicio que efectúa el protagonista, lo que le llena de culpa y angustia, desencadenando sentimientos de abatimiento y de querer poner fin a su existencia. Este error es castigado por los dioses y provoca la caída del personaje central, esta reprimenda está en el destino del mismo, hay predestinación y no se puede hacer nada por cambiar aquello.

Otra de las características es la hybris, que es cuando el personaje se llena de arrogancia y continúa en su mal proceder, sin medir las consecuencias de su acción, aún cuando se le haya advertido y avisado de los efectos que sus hechos causarían. Por otra parte, se encuentra el pathos, que es el sufrimiento máximo del personaje heroico, que soporta la soledad y el dolor terrible de la misma. Se le llama Moira al destino, a lo que debe vivir el protagonista, pues se encuentra en su línea de existencia, sin reparar en sus deseos de libertad.

He aquí la esencia de la tragedia, pues el personaje lucha por vencer a su destino y encontrar su libertad perdida a causa de su error trágico. Se tiende a asociar lo “trágico” a desventuras fatales, a muertes o pérdidas, sin embargo, se refiere a la incapacidad que tiene el ser humano de tomar sus decisiones y de derrotar a las fuerzas opositoras, que impiden que se sienta sosegado y se vea sometido a los designios del destino.

La tragedia tuvo sus primeros dramaturgos en las figuras de Esquilo, Sófocles y Eurípides:

Esquilo

Es considerado el fundador de la tragedia, como ya fue mencionado fue él quien incorporó los conceptos de “actores”, en el sentido de roles protagónicos y antagónicos. Se dice que fue un genio de la literatura de su época (525 – 456 a.C), ya que también se atribuye a su persona la incorporación de elementos anexos para el teatro, como son las máscaras y la ornamentación en el escenario. Asimismo, su obra significó una nueva mirada, en cuanto a la autonomía del hombre frente a los dioses y a su propio destino, que sin embargo, no lo excluían de vivir la tragedia como factor inherente al ser humano. Dentro de sus obras destacan: Los Persas, Prometeo Encadenado y Orestíada.

Sófocles

(496 – 406 a.C) es uno de los grandes representantes del “Siglo de Oro”, ya que plasmó en sus obras el sentimiento religioso griego - destino - y los principios espirituales de su nación, en el tiempo en que Grecia gozaba de su máximo esplendor y desarrollo socio-cultural y político. Fue muy respetado y valorado por sus colegas y coterráneos, más aún cuando con sólo 16 años fue el encargado de dirigir un canto de acción de gracias a los dioses, en el marco de la victoria sobre los persas en Salamina, así como por las 123 obras dramáticas escritas por él.

El respeto que poseía se acrecentó más al derrotar a Esquilo, quien ya se hallaba anciano, en un festival dramático – en honor a Dionisio - que se celebraba una vez al año.

En los aspectos “técnicos” del drama, se destacó por incorporar a un tercer actor en el esquema de la obra teatral prefijada por Esquilo, quien también tomaba parte en los diálogos y redujo la preponderancia que tenía el coro dentro de la obra. Bien se dijo que Sófocles escribió 123 dramas, mas sólo se conservan siete de ellos, algunos de los cuales son leídos y representados hasta el día de hoy: Ayax, Antígona, Electra, Las Traquinias, Edipo Rey, Filoctetes y Edipo en Colono.

Eurípides

Este autor vivió entre los años 480 – 406 a.C y se destacó por ser un profundo conocedor e investigador del alama humana, asumiendo un distanciamiento de las divinidades y aportando ingrediente de la psicología en sus obras y dándole un nuevo sentir a lo conocido hasta ese entonces en el teatro, produciéndose una innovación en la tragedia clásica.

El alejamiento de los dioses se reflejaba en el modo en que éstos aparecían representados en las obras: con características crueles y tiránicas.

Por otro lado, los personajes poseían rasgos muy profundos, con características muy humanas, que se reflejaban en su modo de comportarse. A su vez, Eurípides destaca en la presentación de la figura femenina, a la que le otorga una especial relevancia y enfatiza en su alma. Sus principales obras son: Hécuba, Medea, Las Troyanas, Las Bacantes e Ifigenia en Áulide.

La Comedia

La palabra comedia se relaciona con dos términos: komos, que significa una especie de fiesta aldeana o un tipo de orgía asociada a Dionisio y con ode, que significa canto. Así como la tragedia, la comedia también tuvo su nacimiento en Grecia, en las festividades que rendían homenaje al dios Dionisio. Una de las posibles explicaciones a cómo surgió la comedia, sería la unión que se producía entre la mezcla del coro, danzas de honor y actuaciones histriónicas, que incluían disfraces y sátiras.

Características de la Comedia

La comedia no busca exaltar a los personajes ni mostrarles como superiores, sino que los presenta como seres inferiores, no en el sentido de que valgan o signifiquen menos, sino que en el aspecto de que éstos poseen algún vicio que les hace imperfectos. Esta presentación de los personajes se realiza de una manera graciosa y divertida, más liviana y hasta con un toque de ridículo en la puesta en escena.

Presenta situaciones o conflictos comunes y corrientes, donde quedan patentes los vicios o defectos ya mencionados (que tienen los personajes), que guardan relación con factores sociales y humanas. Los personajes son plebeyos o arquetipos como el don Juan, el avaro, entre otros; usando, incluso, lenguaje vulgar en sus diálogos, utilizando la ironía, la sátira y la provocación. El objetivo de la comedia es divertir, causar la risa en quienes están recepcionando la obra, pero esta risa debe ir acompañada de una reflexión por parte de los espectadores, en relación con el conflicto que se plantea en la dramatización, ya que éste puede sucederle a cualquiera en la cotidianeidad, pudiendo ser una especie de espejo, en el cual se reflejan los vicios o falencias que presentan los seres humanos.

La comedia no pretende que una fuerza prevalezca sobre la otra, sino buscar una solución en conjunto a la problemática. Las manifestaciones de la comedia son: la comedia burlesca, la comedia sentimental, la musical, la de situaciones, el entremés, la farsa; los títeres, la zarzuela, entre otras.

La comedia tuvo sus primeros representantes en:

Aristófanes

Es sindicado como el padre de la comedia. Vivió entre los años 450 - 388 a.C. Sus obras muestran una visión realista del mundo, que se mezcla con mucha ironía; la finalidad de este autor era lograr la risa del público, pero por medio de sus sátiras también causaba que éstos adhirieran a su pensamiento ideológico, por ejemplo, su idea acerca de la lucha contra España, a la que se oponía tenazmente. Algunas de sus obras: Las aves, Lisístrata y Las avispas.

Menandro: este autor vivió entre los años 342 – 292 a.C. Así como Aristófanes es considerado como el padre de la comedia, Menandro también lo es, pero de la llamada comedia nueva, que es la comedia más evolucionada, que se fijaba en las costumbres y en las problemáticas que se suscitaban de la vida común y corriente, a diario. Es él quien comienza con los arquetipos en la comedia, dando origen a la figura del Don Juan o del avaro, que fueron figuras recurrentes en la tradición literaria y que fueron la base para la comedia en occidente.

Dos de sus obras fueron: El labrador y El arbitraje.

Plauto: este comediógrafo se halló entre los años 251 – 182 a.C. Plauto ocupó una adaptación de modo libre y se le sindica como el fundador de la comedia latina. Incluyó un estilo dinámico, rápido y ágil, lo que sirvió de inspiración para los autores cómicos de Europa. Las obras de Plauto guardaban estrecha relación con las obras que tenían origen griego, pues él imitaba las tradicionales y las renovaba en la comedia, que tenían como eje a Roma. Dentro de sus obras destacan: Los cautivos y La comedia de los asnos.

Terencio: 190 – 158 a.C. Este comediógrafo romano creaba obras con tono realista, mezcladas con elementos psicológicos. No buscaba en la tradición griega una base para su creación latina, sino que utilizo un modo muy refinado y elegante. Escribió seis comedias en su vida, dentro de las que destacaron: La suegra, El verdugo de sí mismo, El eunuco y Los hermanos.

El Drama

Sus orígenes se remontan a la Edad Moderna, abordando temáticas concernientes al tiempo de la industrialización. Al drama también se le conoce como tragicomedia, ya que el drama incluía elementos de la tragedia y de la comedia. Si la tragedia buscaba la representación de los personajes de modo superior y la comedia de una forma inferior o viciada, el drama pretende presentar a los seres humanos tal como son, con sus cosas buenas y las derechamente malas. En el drama no hay presencia de dioses ni del destino, tampoco se pretende hallar soluciones de común acuerdo para todos, ya que en el drama es el mismo hombre quien traza y construye su destino final, de acuerdo a su forma de ser y de enfrentar su vida.

En la Edad Media el drama surge desde las festividades religiosas, de los cultos, de las liturgias y se asociaban a fechas como navidad o pascua de resurrección. En un comienzo sólo eran sencillos diálogos, pero con el tiempo se transformaron en representaciones teatrales masivas, que aparte del latín usaban las lenguas romance.

La obra más antigua, en España, es el Auto de los Reyes Magos.

La Celestina, es la obra que finaliza el periodo dramático en España, que reflejaba una intención ético – moral y una creencia del castigo divino, que se expresaba en la muerte.

Cuando hablamos de narración podemos asociarlo al discurso expositivo, pues es una de sus manifestaciones, pero también sus componentes adquieren suma importancia en este género literario, que es la narrativa.
Desde esta perspectiva podemos señalar la figura del narrador, que es un ser ficticio, creado por el autor y que responde a diferentes tipos, según el grado de conocimiento que posea:

Narrador Omnisciente

Es el narrador con conocimiento total o absoluto, el que sabe todo lo que acontece dentro de la historia, conoce a los personajes en su interioridad y por ello puede describirles de un modo detallado.

Narrador Personaje

Es el narrador que tiene una participación protagónica dentro de los hechos que suceden en la historia, es un personaje más dentro de la misma y desde esa posición va relatando los hechos. Asimismo, el narrador puede participar de un modo secundario.

Narrador Testigo

Es aquel narrador que estuvo o está presente al momento en que acontecen las situaciones, pero no participa directamente de éstas. Posee un conocimiento de tipo parcial.

Los Personajes

Así también, dentro de la narrativa cumplen un rol preponderante los personajes, que son los actores, quienes efectúan las diferentes acciones que se suscitan a los largo de la trama de ficción. Los personajes pueden cumplir un rol pasivo o activo dentro de la historia. Según lo anterior, podemos reconocer a los personajes de la siguiente forma:

Contextos Referenciales

Es el mundo ficticio en el que se desarrollan y desenvuelven los personajes. El contexto es fundamental para entender y conocer a los que actúan, pues es determinante el espacio físico, el ambiente, el entorno social y la cultura donde se lleve a cabo la acción.

Designación de Personajes

Es la “rotulación” que reciben los personajes, si se les designa con un nombre propio o un apellido o ambos o se hace utilización de un pronombre para referirse a los participantes de la obra. En ocasiones es totalmente desconocida la identidad de los personajes.

Caracterización Indirecta

Son las deducciones que podemos efectuar de los personajes de una obra y esta inferencia permite hacer una construcción de cómo son éstos y se realiza a partir de sus comportamientos, modos de reaccionar, de interrelacionarse, entre otros.

Descripciones

Esta es una de las formas más recurrentes para conocer a los personajes, ya que por medio de las descripciones es posible hacerse una idea específica de ellos. Las descripciones pueden clasificarse en tres tipos:

Psicológicas

Son aquellas que el narrador realiza de un personaje, en cuanto a su estado interior, psicológico, que determinarán su temple o su ánimo dentro de la historia narrada y serán relevantes en su modo de actuar.

Físicas

Son las descripciones detalladas de los aspectos físicos de los personajes, aspectos que muchas veces tienen estrecha relación con su forma de comportarse.

Morales

Lo ético o moral dentro del texto, será o que determine el mismo autor, ya que las reglas morales de comportamiento o de proceder en la vida diaria, no serán las mismas que se aplicarán a la literatura, dependiendo del mundo creado por el autor y lo que desee transmitir, dentro de un contexto específico. De esta forma, serán juzgados los hechos acorde a esta perspectiva.

Retrato

Se refiere a la mezcla y unión de las descripciones psicológicas y físicas, donde el narrador hace una especie de cuadro, de retrato de un personaje, caracterizándole desde ambos puntos de vista y, de este modo, haciendo una configuración integral del mismo.

Los Modos Narrativos

Se refiere al estilo o la forma en que se estructura la narración, al cómo está dicho el relato y existen tres maneras de enunciar el discurso:

Estilo Indirecto

Es cuando el lenguaje del narrador se realiza a modo de monólogo y cuando él decide da paso a las intervenciones de los personajes, ya que éstos se hallan subordinados al narrador.

Estilo Directo

Es cuando el narrador reproduce textualmente lo que dicen los personajes, sin quitar ni agregar contenido ni haciendo intervenciones. Se caracteriza por el uso de guiones para distinguir entre los distintos hablantes.

Estilo Indirecto Libre

Es una combinación del estilo indirecto y del directo, por ende, contempla una estructura un poco más compleja. El narrador hace intervenciones y lso personajes también efectúan diálogos entre ellos.

Responde al periodo greco-latino, donde los principales exponentes fueron Homero y Virgilio. Esta literatura está alejada de los lectores ficticios y buscaba una relación congruente entre quien narra y su entorno o mundo, siendo su máxima finalidad el de brindar entretención. Manifestaciones de este tipo de literatura son la novela picaresca, la novela pastoril y la novela de caballería.

Novela picaresca

Pertenece al género narrativo. Responde a una crítica social y tiene como protagonista a un “pícaro” que va relatando – satíricamente - los acontecimientos que experimenta. El “pícaro” es el prototipo de un hombre o mujer joven, que vive gracias a las patrañas que realiza para subsistir y que se venga de quienes lo han dañado o despreciado.

Novela pastoril

También se le llama novela “bucólica” y es el texto narrativo que tiene como personajes a pastores, los que se idealizan y que se desenvuelven en un entorno de naturaleza y en ese contexto se desarrollan los acontecimientos amorosos u otros temas.

Novela caballeresca

Presenta un mundo que puede ser posible. Se idealiza a la mujer y se defiende con gran auge el honor, teniendo un sentido de justicia el protagonista de la obra. Se relata la historia de un caballero andante, que lucha en guerras y realiza grandes hazañas y que tiene principios que le instan a seguir batallando.

Literatura Medieval

Es la literatura que nacer al alero de la Edad Media, del Renacimiento, donde primaba una visión y carácter didáctico – moral. Los temas giran entorno a lo sagrado, a lo divino, a Dios, donde existe un eje fundamental entre éste y el hombre (teocentrismo), así como a los señores feudales.

Algunas de las obras de este tiempo están escritas en latín, los textos eclesiásticos sobretodo, ya que era la lengua que predominada en los escritos de la época. Sin embargo, muchas de ellas presentan un autor anónimo. Una de las obras de este tiempo fue el Mío Cid.

Literatura Moderna

Se ubica a comienzos del siglo XVII, luego de la crisis del Renacimiento, donde hubo un descenso en la producción literaria, produciéndose una separación entre el narrador y el mundo representado, dándose mayor relevancia - dentro de la obra - al autor, ya que comienza a participar de manera activa.

El mundo narrado es el común y corriente, el cotidiano; donde se hace referencia a un mundo real, donde existe la presencia de un narrador personal, que relata con una función didáctica o de enseñanza, siendo éste el principal motivo de esta literatura. Asimismo se hace referencia al locus amoenus y a la idealización de la mujer. El fin de esta época se ubica a inicios del siglo XX, de la mano de las Guerras Mundiales.

Literatura Contemporánea

Con el fin de la Guerras Mundiales la narrativa experimenta una transformación, en cuanto a la utilización del lenguaje y a la visión que se tiene de la vida. Desde esta nueva perspectiva nace el tópico del carpe diem, que incita a vivir el día a día, ya que la existencia es muy fugaz. Este pensamiento se asocia al pesimismo que dejaron las guerras en el hombre y al sentimiento de fragilidad de la existencia.

Una de las características de esta época literaria, es que el narrador se abstrae, es decir, ya no interpreta una visión de mundo y deja esta labor en manos de los lectores, para que ellos descubran – por medio de las claves que entrega el narrador – el mundo representado.

El lector debe organizar estas claves y sacar sus propias conclusiones, sin necesidad que el narrador le explique o clarifique nada. Esta tarea del lector puede resultar caótica, pues existen demasiadas formas de expresión, como por ejemplo, el monólogo interior y la corriente de la conciencia, que son dos modos narrativos que nacen en este tiempo.

Acróstico

Consiste en un conjunto de letras que forman, al leer de forma vertical, otra palabra, frase o un concepto. Estas letras pueden estar al comienzo, al medio o al final de los versos. Esta forma fue muy utilizada en siglos pasados, específicamente en el siglo XV.

“Antes de conocerte no sabía quién era,
Me movía por el mundo sin una razón
O mutaba sin sentido alguno por allí,
Reconociendo mi dolorosa soledad”.

“Pude bien tenerte a la fuerza, tenerte,
Urdiendo planes macabros, horrorosos,
Rompiendo tu ingenuidad, acallándote.
Extorsionando tus ilusiones y tus sueños,
Zamarreándote y reteniéndote; pero no.
Amándote sólo lograré tu aceptación”.

Caligrama

Tiene su génesis en la cultura griega, se originó en esa época y combina elementos de artes plásticas con la expresión literaria.

Es una forma de disposición visual del poema, en que el texto se articula formando una figura; las palabras articulan una forma. Este modo fue muy usado por los poetas vanguardistas, por ejemplo, Eduardo Llanos, en su siguiente poema:

“heme
pues aquí
soy el frondoso
árbol genealógico
de toda poesía vieja o nueva
sea edénica o satánica
algunas de mis hojas caen es cierto
pero esponjan la tierra se hacen abono
mis mejores frutos estallan sobre las cabezas
de quienes se van por las ramas ramoneando
o de quienes dormitan y roncan bajo mi sombra
la verde verdad de mi follaje busca más y más el cielo
por eso mis raíces se hunden en el subsuelo
acepto riegos y podas mis pájaros cantan
me olvido de esos que acuchillan mi corteza
borro sus nombres mientras voy creciendo
me asustan los hacheros que cumplen
órdenes municipales o ministeriales
¿qué daño hago yo a nadie?
A TI QUE MIRAS
TE RUEGO
RESPETAR Y AMAR
CADA
RAMA
TODA
HOJA
CADA
HOJA
TODO
NUDO
DE MI
TRONCO
Y POR FAVOR
NUNCA ORINES
AQUÍ EN MIS RAÍCES”

La Lírica en la Edad Media

Es la tendencia que va desde el siglo V hasta el Renacimiento, es decir, siglo XV. En este tiempo se solidificaron las bases de la lengua castellana y hubo un desarrollo importante de la creación poética. En este periodo de habla de poemas líricos propiamente tal.

Poesía Lírica

Da mayor énfasis a la expresión dentro de la obra. En este tiempo se da origen a las jarchas, que son poemas populares a modo de cánticos; las jarchas estaban en un lenguaje mozárabe, que es una simbiosis entre el árabe y el latín vulgar (español incipiente).

Dentro de la poesía lírica también se encuentra el poema provenzal, que tiene un sentido más culto y era cantada por un trovador que cantaba al amor cortesano: el trovador se asocia a un siervo, quien idealiza a su señora, que es la amada. Asimismo, hallamos la poesía religiosa, que era producida por los sacerdotes o eclesiásticos, así como después por laicos cercanos a la religión.

La Lírica en el Renacimiento y el Barroco

Este tiempo abarca al llamado “Siglo de Oro” y va desde el siglo XVI al XVII. La lírica en esta época se centra en el hombre, dejando de lado el eje divino, para luego, hablar del vacío en que se halla sumido el hombre, a causa de las guerras continuas que había experimentado la humanidad.

Lírica del Renacimiento

En esta rotulación se encuentran tres momentos:

Poesía Cortesana

• El tema eje es el amor, la naturaleza y el placer de vivir.
• El poeta idealiza y tiene atisbos de melancolía por esa situación.
• Se recurre al tópico del “Carpe Diem” (“Aprovecha el día”) y al “Locus Amoenus” (“Lugar ameno”).
• Existencia de personajes míticos.

Poesía Mística

• Busca la comunión del alma humana con Dios, la trascendencia.
• Los temas son la luz y la oscuridad.
• El amor se relaciona con la comunicación divina, donde los amantes simbolizan la comunión entre el alma y Dios.

Poesía Salmantina

• Abarca temas religiosos, filosóficos o morales.
• Promueve una vida ascética, que es la abstinencia de ciertos placeres.

La Lírica del Barroco

Sus temáticas son el pesimismo y crisis en que se halla la humanidad, donde existe la concepción de la fugacidad de la vida. En esta época nace el culteranismo, que es una tendencia nacida en España y que se apoya de recursos estilísticos en la escritura para dar fuerza a la forma de la expresión, tales como la elipsis o los neologismos; este movimiento es de base culta, con grandes eruditos dentro de sus exponentes, como Luis de Góngora.

Asimismo, en este tiempo surge otro concepto que es el conceptismo, que agrupa a los poemas más preocupados del contenido de la expresión, de las ideas que contiene el poema; nacen los juegos de palabras, hipérbaton, las oposiciones, antítesis y contrastes.

La Lírica en el Neoclasicismo

Este tiempo abarca el llamado “Siglo de las Luces” y tiene estrecha relación con el periodo de la Ilustración, que es la ideología de la capacidad humana para progresar y producir cultura por medio de la razón. La poesía buscaba la imitación de la cultura grecolatina, donde la belleza tiene un rol fundamental.

La Lírica en el Romanticismo

Esta tendencia lírica nace a mitad del siglo XIX, como contestación al neoclasicismo y está centrada en los sentimientos, pero la mujer ya no se halla tan idealizada como antes, sino que los sentimientos se asocian a manifestaciones violentas de la naturaleza, la que es fuerte y dinámica. Existencia de mucha pasión en la lírica, de romances tormentosos y difíciles, de una búsqueda de libertad, a través de símbolos como el viaje o el mar. Los temas son el amor, el desengaño, el destino, la soledad y la muerte.

La Lírica en el Modernismo

Esta tendencia lírica nace en Hispanoamérica, con influencias del Parnasianismo y del Simbolismo. Se opone al Naturalismo, que tenía una visión descarnada y cruda de ver la sociedad y el mundo. La lírica de esta época abre el espectro temático, donde se hace referencia a lo exótico, sean princesas, castillos, animales, magia, etc.; “exóticos” porque son temas no tratados antes y que le dan toques de misterio a los poemas. Se introduce la musicalidad en el poema y busca el cuidado de la forma.

La Lírica en la Vanguardia

La lírica se manifestó de diferentes maneras bajo el alero de la vanguardia, dentro de estas manifestaciones podemos mencionar:

El Dadaísmo

Movimiento de muy corta vida, que propendía a la búsqueda irracional de la pureza. Es una tendencia de poesía rebelde, que rechazaba la Primera Guerra Mundial. La palabra “dada” se relaciona con las primeras palabras que emiten los infantes, los bebés. La poesía era libre, no había limitantes en cuanto a la sintaxis, se utilizaban sonidos como las onomatopeyas y gritos.

El Surrealismo

La poesía buscaba conocer los estados dentro de los sueños. Era una poesía anti burguesía, que se apoyaba en la teoría del psicoanálisis de Freíd, hurgando en el subconsciente e incentivando a exteriorizar los sentimientos y las represiones sociales. El poeta escribe sin pensar, las palabras surgen de modo libre, sin remitirse a la razón ni a la coherencia lógica ni menos a la métrica.

El Creacionismo

Establece que el poema es algo autónomo, sin responder a la imitación, sino que las palabras se escriben al azar, sin coherencia; recurriendo a sonidos y a quiebres en la sintaxis y a la gramática establecida hasta ese momento. El poeta es un “pequeño dios”, que va creando su propia visión de mundo y su personal realidad.

El Futurismo

Es una poesía provocadora, sugerente, violenta. Busca el dinamismo en las palabras, la rapidez, moderno y lo mecánico. Para este movimiento apresurado se suprimen términos, conectores y figuras literarias y se utilizan colores y letras de distintos tamaños.

La Lírica en el Mundo Contemporáneo

Se refiere a la poesía postmoderna, que tiene como tema lo que acontece en el mundo cotidiano, desacralizando la poesía. Se hacen cuestionamientos y se botan los temas obsoletos y caducos, llegando a los absurdos o a las oposiciones, como los “Poemas y Antipoemas” del chileno Nicanor Parra. Se recurre a la ironía en la expresión, a las caricaturizaciones, a la burla, la paradoja y a la sátira. El hablante lírico hace uso de un lenguaje entendible, muy simple, acercando la poesía a la sociedad en general.

“Cada sexo tiene rasgos que lo caracterizan: cada uno es superior al otro, en un determinado ámbito. Naturalmente, el hombre y la mujer no se diferencian en el grado de sus cualidades intelectuales o morales; pero sí, en un aspecto ontológico elemental, como es la posibilidad de ser padre o madre y en aquellas capacidades que de ello se derivan. Es sorprendente que un hecho tan simple como éste, haya causado tantos extravíos y confusiones.”

En nuestra cultura, la de occidente, se ha asociado siempre la imagen de la mujer y del hombre a ciertos personajes literarios, que han sido conocidos y heredados de la tradición clásica, los que tienen modos de comportamiento que se asocian a un determinado estereotipo, sean porque son retratos preestablecidos o roles preasignados, que se han ido reiterando a lo largo de la historia, a causa del contexto y entorno socio-cultural.

Es así que se tiende a relacionar a la mujer con una imagen sensible, mucho más emocional, sobria, recatada, pudorosa; a veces remitida al tema de la reproducción y que debe ser sumisa. En contraste, el rol del hombre se ha fijado a lo racional, frío o insensible, inteligente y creativo, sostenedor, cercano al poder, entre otros.

Sin embargo, durante los últimos siglos, más específicamente desde los siglos XIX y XX (con mayor auge en el XXI) esto se ha revertido paulatinamente, ya que la mujer comenzó a tener más y mayor participación social, su rol se torno activo en el sector público y ya no es vista como frágil; asimismo, el hombre ha empezado a expresar más abiertamente sus sentimientos y emociones, liberándose del estigma que debe responder a un canon rudo o frío.
Esto tiene que ver con lo que la tradición ha impuesto por moldes: que el hombre es racional y la mujer responde a la emocionalidad, que el primero es activo y la segunda pasiva.

Es así, que lo masculino es sinónimo de poder, conocimiento y progreso, en oposición a la imagen femenina, que posee una dualidad: por una parte es la mujer abnegada y protectora, pero por otro lado es vista como la mujer mala, pues se atreve a desafiar lo que la tradición ha instituido y se vuelve independiente y ya no al arbitrio de lo que diga o determine el hombre.

Estos estereotipos no han quedado ajenos al mundo de la literatura, la que ha reproducido las imágenes de cada género y ha difundido estas ideas. Asimismo, gracias a la literatura se ha diversificado la perspectiva de pensamiento, en el sentido de que la manifestación artística permite la posibilidad del cuestionamiento.

La imagen femenina en la literatura universal

A lo largo de la historia de la literatura han existido estereotipos ligados a la imagen masculina, como por ejemplo la figura del conquistador o el héroe; asimismo, la mujer ha estado cercana a la figura de una persona débil y servicial o de la esposa abnegada, así como de la mujer fatal. En algunas obras, se encuentra a un hombre, que tiene un perfil de héroe, acompañado de su fiel mujer, la que espera y obedece lo que designe su esposo; él es activo, batallador y buen padre, ella es buena dueña de casa y cuida a sus hijos, no posee vida ni decisiones propias y está al arbitrio de lo que el hombre desee.

Con el paso del tiempo la mujer fue cambiando a una imagen de cortesana, donde tenía una imagen idealizada – por una parte - y una figura cercana a lo grotesco, donde la femineidad estaba en pugna con actitudes ahombradas y ejecutaban acciones viciosas; para ellas los hombres eran un objeto de placer y entretención, tal como ellos las utilizaban a ellas.

La imagen de mujer idealizada aparece de la mano de la obra Don Juan Tenorio de José Zorrilla, donde esta figura la encarna doña Inés, que es una mujer inmaculada, quien salva a Don Juan del abismo del libertinaje, gracias al profundo amor que siente por él.

Por otro lado, en el siglo XV, existe la imagen de la mala mujer, que comienza con La Tragicomedia de Calisto y Melibea, que se hizo famosa con el nombre de La Celestina de Fernando de Rojas. Esta imagen se forjó a partir de una figura de mujer alcahueta, que es una especie de mensajera, pues lleva y trae mensajes de amor entre una pareja y utiliza recursos mágicos para poder enlazarlos; es astuta y sagaz, pero a medida que se desarrolla la trama va cayendo presa de sus propias artimañas, a consecuencia de su falta de ética y moral. Esta obra cobra gran relevancia, pues fusiona elementos del mundo medieval y del renacentista, ya que combina la pesadumbre y pesimismo medieval - que tiene mucho que ver con el sentimiento de una vida trágica – con la exaltación o idealización de la mujer, asociado al espíritu del Renacimiento, que tendía a la divinización y llegó a ser considerado como un acto pagano.

La idealización de la imagen femenina continúa en la obra de Miguel de Cervantes y Saavedra: El Ingenioso Hidalgo don Quijote de la Mancha, donde se hace una exaltación de la figura de Dulcinea, que responde al prototipo de mujer ideal, sublime y frágil. En esta obra se hace más evidente esta idealización, pues Dulcinea se llamaba Aldonza y no correspondía a la imagen expresada, ya que la mujer real era todo lo opuesto: brusca, con actitudes ahombradas y con mucha fuerza. Cervantes utiliza el componente de la imagen ideal no sólo con Dulcinea, sino también se hace patente este recurso a lo largo de toda la novela. Es así que “confunde” a mujeres vulgares y de vida fácil con doncellas y damas de alta alcurnia. He aquí un fragmento:

“No huyan las vuestras mercedes, ni teman desaguisado alguno;
que la orden de caballería que profeso no toca ni ataña hacerle a ninguno daño,
cuanto más a tan altas doncellas.
Mirábanle las mozas, y andaban con los ojos
buscándole el rostro que la mala visera le encubría;
mas como se oyeron llamar doncellas,
y cosa tan fuera de su profesión, no pudieron detener la risa (…)
Téntale la camisa y, aunque ella era de arpillera,
a él le pareció de finísimo cendal…
Los cabellos, que en alguna manera tiraban a erizar,
él los marcó por hebras de lucidísimo oro de Arabia…
y el aliento que, sin duda alguna, olía a ensalada fiambre y trasnochada,
a él le pareció que arrojaba de su boca un olor suave y aromático.
Finalmente él la pintó en su imaginación de la misma traza
y modo que lo había leído en sus libros de la otra princesa
que vino a ver al mal herido caballero”.

Podemos ver que el Quijote idealizaba de una manera increíble, pues hasta los olores no gratos los sentía aromáticos, causando una mayor admiración de sus “musas”.

Con el paso de los años, llegamos al tiempo del Romanticismo, donde predomina el sentimiento de libertad, que venía de la mano de la Revolución Francesa, donde se iniciaron una serie de cambios de ideología. En este periodo la mujer comienza a luchar tenazmente por sus derechos, exige la posibilidad de crear, de tener parte en la obra artística, de escribir y poder publicar sus textos. El problema radicaba en que la sociedad de ese entonces no estaba en condiciones de recibir a esta “nueva” mujer ni menos para soportar más cambios radicales, que implicaban una nueva posición de la mujer en la sociedad y un trueque de roles asociados, por tradición, a los hombres. Fue por esa razón que las autoras tuvieron que publicar bajo un seudónimo que ocultara su real identidad.

En el tiempo del Realismo, mitad del siglo XIX, se buscó la representación objetiva de la realidad, de lo que sucedía, es por ello que con esta corriente emerge un nuevo tipo de imagen femenina, que fue la mujer anulada y oprimida por la sociedad. Esta mujer se rebela contra lo establecido, cansada de ser incomprendida y utilizada, se deja llevar por sus pasiones e impulsos y rompe con los cánones impuestos por la sociedad tradicional, que tendía a lo puritano. Es así que en este tiempo emerge la figura de la mujer infiel o adúltera, que obedece a sus deseos íntimos por sobre la razón, con la finalidad de alcanzar el éxito de su proyecto de vida y para ello lucha contra el machismo imperante, que reinaba hasta en las mentes femeninas, que veían al hombre como ser supremo y a quien se debía respetar por sobre todas las cosas.

Esto queda en evidencia en la obra La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca, donde la imagen materna adquiere atisbos de machismo y reprime a las hijas, con la idea de mantener el honor de la familia y no quebrantar las reglas impuestas por la sociedad de ese entonces, anulando la posibilidad de realización personal de cada una de las integrantes del hogar.

Estas novelas alcanzaron gran preponderancia a nivel internacional y sus autores gozaron de mucha popularidad y reconocimiento, tanto de parte de la crítica como del público.

Este inesperado interés y éxito logrado por estos escritores narrativos, produjo que se empezara a hablar de un “boom latinoamericano”, que significaba que en este lado del mundo se estaba produciendo un auge de la literatura, especialmente del género narrativo. Este auge, además del reconocimiento internacional, implicó una renovación en el mundo de las letras, esto porque los autores rompían con los esquemas traídos desde la tradición y estaban influenciados por las corrientes del vanguardismo.

Esta renovación literaria también fue conocida como la “Nueva Novela” y sus temáticas predominantes fueron la marginación social, la angustia existencial, los problemas de comunicación entre los seres humanos y la impersonalidad de la sociedad de la época. Los autores querían reflejar en sus textos lo que sucedía, las distintas vivencias o situaciones que veían y que afectaban a lo más íntimo del ser, abarcando perspectivas existencialistas y universalistas. La novela ya no trata ni busca servir a la realidad, sino servirse de ella para representar mundos.

El modo de escribir, la estilística, iba de la mano del uso de nuevas palabras o neologismos, de una nueva forma de morfosintaxis y de diferencia de estilos, así como juegos de palabras e inclusión de elementos ambiguos. Del mismo modo, se incorporaron mundos diferentes, como el onírico, fantástico y el maravilloso, se dio libertad a la corriente de la conciencia y a la utilización del montaje, que tenía directa relación con el cine.

Los autores más representativos de este tiempo fueron, fundamentalmente, cuatro:

Gabriel García Márquez (Colombia), Mario Vargas Llosa (Perú), Julio Cortázar (Argentina) y Carlos Fuentes (México).